Rodrigo Cañete nos da su honesta opinión sobre The Other Art Fair para nuestro Experimento Crítico vs. Crítico.

¡FUERA INTERMEDIARIOS!: La exposición de arte en la que a los artistas les encanta conectar
Londres - MAY 02, 2013

Experimento Crítico vs. Crítico: Rodrigo Cañete

ArtDiscover envió a Rodrigo CañeteAgnieszka Gratza, dos reputados críticos de arte, a The Other Art Fair en Londres. Queríamos ver que pasaba cuando dos críticos de arte muy diferentes visitaban el mismo evento juntos y escribían sobre ello. Los artículos resultantes muestran la huella que deja la subjetividad del autor en la crítica de arte.

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En su segunda edición, The Other Art Fair se centra en artistas que venden directamente al público. Para mí era una experiencia tanto estética como cognitiva. Podría decir que incluso me ha permitido comprender qué tipo de artistas excluyen generalmente las galerías y por qué. Sin los artistas virtualmente secuestrados por sus agentes, en esta feria se podía disfrutar de una atmósfera de amabilidad y conexión humana.

Frieze: Incluir para excluir

Las principales ferias de arte como Frieze o Armory son, por definición, una contradicción en sí mismas. Están dirigidas por un impulso oximorónico orientado a ganar relevancia y exclusividad. En otras palabras, atraen a la gente solo para alejarla. El resultado es que la experiencia es muchas veces dolorosamente cruel tanto para artistas como para coleccionistas. Aspirando a mostrar una división, la feria de arte dirigida por galerías hace de la ansiedad su propia estructura. Esta puede ser la razón por la que nunca me gustan, porque estamos demasiado ocupados desperdiciando nuestra energía en las cosas equivocadas. Por el contrario, The Other Art Fair necesita que la conexión entre el artista y el comprador exista. El resultado es un entorno extrañamente amable y fluido en el que la gente habla con la gente y se comportan como lo que son… ¡personas!

 

¡FUERA INTERMEDIARIOS!: La exposición de arte en la que a los artistas les encanta conectar
Alberto Fusco

Un rostro amigable

La particularidad del lugar (Ambika P3 en Marylebone Road) y la instalación formada por una serie de esculturas en hielo de ratones alineados guiando a los visitantes desde la puerta principal de la feria en Marylebone Road hasta la puerta principal en la sala de exposición, le dieron un aspecto genial desde el principio. El sentido del humor de esta instalación estaba dado no solamente en que los “ratones” se derritieran sino en la asociación entre 'Ice' (hielo) y 'Mice' (ratones). El guardia de seguridad que estaba en la puerta era agradable, me sonrió todo el tiempo e incluso me reconoció cuando volví. ¿Me he muerto y nadie me lo ha dicho? No. Era arte en acción y, de alguna forma, es el sentido de mi blog loveartnotpeople.com. Así que hablemos de arte…

 

Al llegar, el visitante entra en una plataforma en el entresuelo donde se encuentran el mostrador de información, el personal de logística y el comisariado artístico. Este comisariado era ingeniosamente extraño, ya que tenía docenas de retratos de las madres de los artistas que participaban colgando en dirección a la zona de exposición principal. Con una idea bastante deprimente de la maternidad, había artistas como Lee Maeltzer, que había enmarcado a su madre con murciélagos, Wen Wu que había materializado delicadamente a su madre en un modo un tanto indochinoy Peter Lloyd que la alegorizaba como una calavera adornada. Es irónico que este mosaico freudiando de maternidad presida una estancia que contiene, al menos, un centenar de artistas que reclaman la propiedad de sus propias vidas artísticas. Desde este punto de vista, esta feria versaba sobre atreverse a crecer “matando” a nuestras madres (artísticas) (¿las galerías?).

 

 

Matar a mamá

Así que me apunté a la experiencia y me uní a la masa que estaba abajo en la sala principal de la exposición. Primera parada inevitable: el stand de Phoebe Stubbs que se había situado en el centro para recibir a los espectadores con una declaración de lo que los comisarios entendían por “arte contemporáneo”. Para mi sorpresa, a mi colega y compañera para ese día, la conocida crítica de arte Agnieska Gratza, que comparte el gusto de los comisarios, no le gustó. Creo que ubicando a Stubbs aquí los comisarios querían marcar el tono de la exposición como “también podemos ser provocadores”. Stubbs, a quien ya Roberta Smith del The New York Times había despedazado cuando expuso con sus compañeros del curso de la Escuela de Diseño de Rhode Island en Estados Unidos, había hecho literalmente una salpicadura de pintura dándole un puñetazo a un cubo lleno. Dos problemas aquí. Su trabajo trata de la “objetivación” que quiere decir que, como los ladrillos de Carl Andre, necesita una construcción teatral de la experiencia artística a través de una disposición del escenario (el cubo blanco de la galería de arte o museo) y el ser visto por los espectadores del arte. El problema es que es esto no es una galería, sino una exposición de arte muy honesta, así que su mezcla de fotografías modernistas y objetos de neón minimalistas no consiguió mantenerlos unidos. El mercado dijo no.

 

 

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Phoebe Stubbs

Un hombre muy sutil y oscuro

No muy lejos de ella, en mi opinión, se encontraba uno de los tres mejores artistas del show. El señor Allan Martin es un pintor refinado, sutil y buen pictoricista. Su paleta oscila entre el negro y el negro con casi todas las tonalidades monocromáticas. Su iconografía limita con la asfixia colocando a mujeres contra una pared, arrinconándolas y empequeñeciéndolas en una proporción de uno a dos tercios, lo que en el arte del retrato lo sitúa muy cerca de los paisajes de las pinturas de los Países Bajos y estoy pensando en Ruysdael, por ejemplo. El resultado es maravilloso. Vendió un impresionante grabado en el que manipulaba la oscuridad y las sombras de una forma que me recuerda a la tercera dimensión que podemos ver en el manejo de las sombras de los antiguos maestros y ahora pienso en las paredes y los fondos de Diego Velázquez. Esta feria me ha demostrado que el talento de gente como Allan Martin es ignorado por el sistema de las galerías porque es demasiado sutil y, en términos relativos, poco caro. Trabajar a pequeña escala, podría necesitar acelerar su trabajo, hasta el punto en que comprometería la calidad de su arte para mantener una relación comercial con la galería. Esto es por lo que este tipo de exposiciones es el canal de distribución perfecto para él. Lo que necesita hacer es crear una base de coleccionistas fieles y lo está haciendo. Creo que es el punto fuerte a favor de The Other Art Fair. Y me encanta.

 

 

Una mujer deliciosa y fuerte

A unos metros de él, la encantadora Dianne Kaufman, quien sublima sus preocupaciones sobre el tiempo y la edad manipulando pigmentos de una forma escultural que me recuerda a Rembrandt y a Frank Auerbach sin ser muy original. Su pródiga pincelada estilo gourmet (que en ocasiones llega a ser artesanía) es Wayne Thibaudesque. Estas imágenes atraen y repelen a partes iguales. Sus retratos son como máscaras y, de nuevo, la razón para que una artista como ella no esté en una galería de arte puede ser la pequeña escala en la que trabaja. Me quedó claro en esta visita que para estar en el sistema de las galerías, los artistas deben ser jóvenes para poder producir a gran escala y rápido. Pinturas más grandes permiten a los intermediarios conseguir su parte. Ese tipo de sistemas rechazarían a gente como Allan o Dianne y eso sería una terrible lástima, así que bien por ellos. ¡Sigue pintando en pequeño, querida! Con su experiencia aportan sutileza y permiten que el arte y los artistas conecten con el público de una forma diferente. ¡Viva!

 

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Mo Coppoletta en The Other Art Fair

¡Seguid así para siempre!

El señor Frederic Daty es de Chartres y su trabajo es definitivamente uno de mis favoritos. Dada su formación de diseñador gráfico, su lenguaje visual sería demasiado Arte Povera y prácticamente inaceptable para el mundo del arte convencional. Se trata de construcciones de metal que representan mundos en sí mismos o ciudades en las que todo consigue mantenerse unido. Su esposa canadiense estaba allí para ayudarle y los esfuerzos familiares lo convirtieron en una experiencia encantadora. Ella apoyaba tanto a su marido y era tan encantadora que yo sólo quería hablar y hablar y hablar…

 

 

La novedad española

En este punto, Agnieska se estaba poniendo nerviosa con la figuración y quería llevarme a los artistas más abstractos. Divertido y nervioso le pedí que viniera a mi último artista seleccionado así que la llevé al stand de María Murga, nacida en Alicante. Allí, el centro estaba perforado por una pintura de una mujer que emergía de un escenario islámico al-andalus enmarcada en una “almendra” que en arte italiano (religioso) se llama mandorla. Debo recordar al lector que, en historia del arte, la mandorla sirve como alegoría de las partes pudendas de la Virgen y que es su atributo principal como “Madre de Dios”. A esto, María Murla añadió un pezón situado en el centro hemisférico de la superficie pintada. Enmarcando esta imagen, colgó dos dibujos de dos modelos masculinos pin-up posando como un San Juan Bautista bastante bien dotado. Por su formación en Florencia y con una forma de dibujar y pintar muy profesional, me enamoré de su voluptuosa representación del Torso Belvedere en la colección del Vaticano. Sexo y erudición a simple vista. ¡Me encanta España cuando va en esta dirección!

 

En este punto, Agnieska me cogió por el brazo y me llevó a la otra sala. Por el camino no pasó desapercibida una salita de tatuajes muy obscena con Mo Coppoletta pintando in situ en la piel. Todo esto, debo recordar al lector, sucedía bajo la atenta mirada de cientos de retratos de madres (del comisariado de la exposición). ¿Un ataque de culpabilidad? Dicho esto e intentando darle un capricho a mi propia culpa freudiana, he de confesar que me encantan los diseños de Coppoletta y que estoy considerando hacerme uno. ¿Crisis de mediana edad? ¡Por supuesto! Al menos es más barato que un Porsche y dura más tiempo.

 

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Madre de Lee Maeltzer para la Comisión de los Comisarios

Arte como utopías para evitar el dolor

Una de las elecciones de Agnieska fueron los ejercicios intermedios de tejidos, pinturas, dibujos y por qué no… diseño interior de Michelle Abbott. Las imágenes de Abbott son el resultado de un trastorno obsesivo-compulsivo canalizado como una obra por amor. Su iconografía es mucho más de lo que parece a primera vista. Inyecta un ritmo a la vida que trata sobre dedicación, esperanza y evitar la monotonía. Su trabajo trata sobre la lucha vitalpero a un ritmo muy femenino de perfección imperfecta. Allí cerca, la dulce Seungmi Lee me hizo ver que mi mala impresión inicial no era correcta y me convirtió a su  frugivorismo donde retratos de fruta archimboldescos se convierten en personajes de una historia. La vida de la señorita Lee se representa como una ensalada de fruta surrealista en la que nadie resulta herido. El arte como un sustituto para evitar el dolor…

 

 

El arte que cura

En el siglo XV, Leon Alberti dijo que el arte era terapéutico y que podía curar realmente. Esta feria lo consigue centrándose en los aspectos de conexión del arte. Así que, mientras salía, conocí a la adorable Margherita Isola con quien me he divertido mucho ya que prácticamente montamos un espectáculo probándonos su ropa con textos. Salí de la feria y no necesitaba ir al gimnasio para sentirme bien. Y eso es mucho.

 

ArtDiscover
Rodrigo Cañete

www.loveartnotpeople.com


Parte II de Crítico vs. Crí
tico: Agnieszka Gratza.The Other Art Fair, la feria artist-friendly en Londres

 

 

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